martes, 17 de noviembre de 2009
Paisajes al óleo
Estas son clases de pintura al óleo impartidas por Dora Alis, esperamos que os guste
viernes, 13 de noviembre de 2009
Pintar con pastel
Técnicas pastel
El desarrollo de la pintura al pastel a lo largo de la Historia del Arte va ligado a la conquista del dibujo como técnica independiente y no sólo como complemento de la pintura con pincel. Su nombre deriva de la palabra pasta, la masa que se forma al mezclar los pigmentos en polvo con la goma que los aglutina.
El pastel empieza a utilizarse como un medio seco y rápido de aplicar color al dibujo para potenciar los volúmenes y acercarse un poco más a la realidad con el soporte del color, principalmente en el retrato y la pintura de figura. En el siglo XVIII ya es una de las técnicas mas utilizadas entre pintores de la corte francesa, y ha dejado de formar parte del dibujo para convertirse en un medio pictórico con personalidad propia. A partir de entonces estará presente y será protagonista de todos los movimientos artísticos hasta nuestros días.
Si en sus principios el pastel fue un complemento del dibujo en la pintura del retrato, hoy en día
es una técnica que no conoce barreras temáticas, estilísticas ni de concepto.El pastel
El pastel es un medio pictórico que ha resultado atractivo a infinidad de artistas, tanto por la luminosidad e intensidad del color, debida a la gran proporción de pigmento que las barras contienen, como por la sencillez de su manejo, puesto que no requiere paleta, pinceles ni sustancias diluyentes.
El hecho de que el pastel sea una técnica seca proporciona al pintor la ventaja de la rapidez, ya que no se ve obligado a esperar a que la pintura se seque para aplicar nuevas capas encima. Esta pintura, además, encierra una interesante versatilidad que permite pintar con finas líneas superpuestas, hacer veladuras y también trabajar con empaste y colores saturados.
Composición
La pintura de pastel está compuesta de pigmento puro, yeso y cola. Con esta mezcla se hace una pasta que se modela para darle forma de barra, y se deja secar. La calidad y el tipo de pastel están condicionados por las proporciones de esta mezcla en la pintura; los pasteles de gran calidad no llevan yeso en su composición, ya que se trata prácticamente de una barra de pigmento puro.
Por esta razón, los colores de la pintura al pastel son limpios, intensos y saturados; con los que permiten al artista realizar bellas obras de gran contraste y luminosidad.
Soportes
El soporte "normal" para la pintura al pastel es un buen papel de color uniforme, del tipo Canson o Ingres. Y si hemos entrecomillado el calificativo "normal" es porque son posibles otros soportes, como lo fueron ciertas telas de seda y terciopelo usados antiguamente, tejidos en los que el pastel se incrustaba con facilidad. Hoy día disponemos de excelentes papeles de color con una amplia gama de matices y variedad de texturas para poder escoger aquel que mas convenga a nuestra futura obra, la cual podremos iniciar a partir de la entonación de fondo dada por el papel y que será una u otra según lo que el tema aconseje. Cuando se trabaje de una marina, por ejemplo, lo mejor será utilizar un papel de tonalidad fría: un gris azulado, pongamos por caso. Si el tema fuese un retrato, lo mas lógico sería decantarse por un papel gris o cálido, de la gama de los sienas o tierras.
Carta de colores de papel Barritas de pastel
especial para pastel
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Boceto sobre papel de color con realces Niña con un gato de Jean-Baptiste
de pastel blanco National Gallery
(Clic en la imagen para ampliar )
Retrato realizado en pastel sobre papel tipo Canson gris
Otras características
El pastel es una pasta compuesta de pigmentos y ligantes (goma o resina). Se emplea en la pintura desde el siglo XV, pero fue en el siglo XVIII cuando se empezó a usar de manera habitual en el dibujo y la pintura. Más tarde, los impresionistas la adoptan por la luminosidad de sus matices.
Las barras pastel son más o menos blandas según la calidad del ligante; las más blandas son las más brillantes pero también las más frágiles.
Por el contrario, los colores de pastel figuran entren los más sólidos. Pueden mantener su brillo durante siglos. Por ello hay que utilizarlos sobre papel sin ácido, garantía de longevidad y muy resistente a la luz.
Aterciopelados, luminosos, los colores de pastel seco pueden superponerse o yuxtaponerse porque no se mezclan con facilidad. Se difuminan para crear sombras y luces sutiles.
Se recomienda, por tanto, un papel en grano pronunciado o con una superficie abrasiva que retiene los pigmentos. Elegir un papel de color confiere profundidad a la pintura o el dibujo y resalta la energía del color de pastel.
Aquí os mostramos otra técnica para pintar con facilidad y de forma rápida.
martes, 10 de noviembre de 2009
Pintura decorativa
Otra forma de demostrar el arte utilizando la pintura es la pintura decorativa, es decir, decorar objetos ya sean viejos o nuevos y utilizarlos en la decoración de nuestro hogar, y así ahorrarnos unos euros de camino, que nunca viene mal. ¿Estáis de acuerdo conmigo o no?
Técnica de pintura de paisajes.
Aquí os presentamos una forma rápida y divertida de pintar un paisaje. Fácil de hacer incluso sin haber asistido a ningún curso, sólo con un poco de empeño e imaginación, sin salir de casa. Esperamos que os guste y lo practiquéis y por supuesto esperamos vuestros comentarios.
viernes, 6 de noviembre de 2009
MARINA PRODAN, nombrada pintora del mes
Ciudad Real (1962)
Fine Arts. University of St Louis, Missouri (USA)
Bellas Artes (Universidad Complutense de Madrid)
Inició su carrera artística en USA y desde 2006 trabaja en Madrid.
Exposiciones individuales:
‘El inconsciente colectivo’ Málaga (2007)
‘Bien valorada entre los coleccionistas particulares y las empresas donde hasta ahora se ha movido su obra, esta joven artista, se nos presenta con una valiente exposición, casi una breve retrospectiva. Presenciamos así toda la fuerza de un empuje gestual que podríamos remontar casi al desarrollo lineal de un Pollock - en su época de la action painting- pero sostenida aquí por un carácter enérgico, luminoso, casi órfico que recuerda tanto la creatividad de Kankinsky como de los Delaunay.
En otro momento más reciente, la obra se vuelve más meditativa, más íntima, sin embargo la fuerza gestual no disminuye su presencia, mostrándonos aún su huella en breves líneas que huyen en fugas’.
‘El signo en el retrato' Vitoria (2008)
‘Ya en otro momento pictórico, así como todo a lo largo de toda su trayectoria, Marina Prodan nos ha venido mostrando su interés en el desarrollo del signo al que ha confiado siempre el papel de protagonista principal de sus obras. Hemos visto el signo desarrollarse en todo un mundo de inesperados ritmos y que, siempre vibrando por la magia del color, se proyectaba, se expandía o contraía zambulléndose en el espacio pictórico transformado en movimiento, casi en música. Así entendido el signo ha venido a ser para ella casi una bandera, una bandera llena de presencia, de potencialidades y de vitalidad.
ro ahora, en la presente exposición, aún siempre coherente con sus propias premisas plásticas, la autora viene a proponernos algo insólito, un binomio casi antitético: El Signo y el Retrato.
Si ya de por sí una muestra protagonizada por al retrato es bastante novedosa, lo es más aún cuando el retrato deja de tener ese valor y esa única función temática de representar a cierto personaje o a una bella dama. No, aquí el retrato está concebido de una manera y con una finalidad absolutamente diferente en cuanto Marina Prodan lo ha transformado en el pretexto, o quizás en el soporte necesario –casi en la escenografía- donde lo que a través del retrato se desarrolla es esencialmente el armonioso despliegue de la línea, la aérea pirueta del signo. De otra parte debemos observar como este signo que, siempre al límite de lo esencial y de lo abstracto, tan valientemente trasciende la estricta lógica de la figuración no es nunca gratuito mas siempre sugerido, o mejor dicho dominado, por una subliminal necesidad expresiva, pero siempre sugerida por esa honda motivación plástica que, al final, es nuevamente la propia figuración. El resultado de tan insólita combinación entre el Signo y el Retrato lo percibimos de inmediato por poco que nos detengamos en observar las obras de esta exposición.
Al mismo tiempo, y en sintonía con el actual momento artístico, la autora además de esa concreción sincrética que hemos señalado en la que, bajo el égida del equilibrio, los elementos figurativos del retrato son sintetizados en vuelo sígnico, hace aflorar con un carácter absolutamente propio la rica elaboración matérica de los fondos con lo que consigue enriquecer su obra de una elocuente intensidad.
Y es muy interesante que prestemos la debida atención también a esos fondos que forman un leif motif, un substrato, lleno de expresión y de garra, que bien podría asumir de por sí el protagonismo absoluto de muchos de estos trabajos. Una especie de misteriosas retículas, una serie de líneas y de puntos impregnados de una vigorosa materia o unos enigmáticos espacios de color aportan como una subliminal presencia que, como un inesperado testimonio, de improviso, parece toparse con un mundo paralelo, un mundo que, sin embargo, precisamente aquí se revela lleno de su propia presencia en una concreción tan elegante como dramática.
Contrasta con la fuerza dinámica y cromática de estos retratos signícos otros, muy pocos, de suave dibujo, de profunda mirada, de un intenso phatos, en que la sensibilidad muy femenina de la autora parece haberse adueñado de otro, muy diferente, espacio expresivo. Es este un espacio de horas lentas, meditadas, quizás sufridas, para captar las cuales ella se ve impulsada hacia un lenguaje y un léxico muy diferentes que buscará su concreción en la lenta precisión gestual del dibujo.
miércoles, 4 de noviembre de 2009
El pintor Antonio López asegura que “el arte siempre ha cometido excesos porque es un reflejo de la sociedad”
El artista imparte con Juan José Aquerreta un taller de pintura figurativa en la Universidad de Navarra
Antonio López.
Foto: Manuel Castells
“El arte contemporáneo comete excesos del mismo modo que ha ocurrido siempre. Es un reflejo de la sociedad y como tal, los excesos del hombre impregnan el lenguaje y el mundo artístico”, afirmó Antonio López. En el marco del taller de pintura figurativa que imparte en la Universidad de Navarra, el premio Príncipe de Asturias de las Artes (1985) y Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2006) señaló que la función social de la pintura apenas ha cambiado a lo largo de la historia.
“Es la misma que la presente en las cuevas de Altamira. Al fin y al cabo, el hombre sigue siendo parecido al de entonces. Continuamos sin saber qué hacemos en el mundo y la pintura no deja de ser una forma de reflejar nuestras inquietudes personales”, explicó.
El pintor manchego se define como un artista figurativo. “No obstante, con sólo llamarme pintor creo que ya es bastante”, aseveró. Tras más de cincuenta años unido al pincel, reveló que sigue sintiendo la misma vocación que el primer día: “La pintura es una tarea vocacional. Es cierto que con los años vas perdiendo ciertas facultades, pero también ganas otras. A lo largo de mi vida, como todo el mundo, he tenido altibajos que he ido superando. Pero nunca he pensado seriamente en dejar la pintura”.
Destellos brillantes
Antonio López, al igual que su colega Juan José Aquerreta, rechaza la vitola de maestro que los alumnos le otorgan en el taller organizado por el Servicio de Actividades Culturales y la Escuela de Arquitectura: “Nadie es infalible. Mi única ventaja sobre ellos es una experiencia mayor. Yo también me puedo equivocar”.
Asimismo, destacó con entusiasmo lo que le aporta esta experiencia. “Somos una familia de pintores donde ver y charlar sobre pintura con personas más jóvenes o gente de mi edad es algo muy reconfortante. Además, yo también aprendo porque veo nacer la pintura. Pese a que se encuentran en circunstancias difíciles, con poco tiempo y fuera de su espacio natural, logran destellos brillantes. Eso me enseña y me emociona”, enfatizó.
Por ello, Antonio López anima a todo el mundo a comenzar a pintar, independientemente de la edad. “En la vida hay cosas que debemos hacer porque estamos obligados pero la pintura es un arte voluntario que no lleva ninguna exigencia consigo. No hay normas, simplemente te tiene que gustar”.
martes, 3 de noviembre de 2009
Exposición "Colección Casa de Alba"
Exposición "Colección Casa de Alba"
Inicio
15/10/2009
15/10/2009
Fin
10/01/2010
Provincia
Municipio
Sevilla
Lugar de celebración
Museo de Bellas Artes de Sevilla
Plaza del Museo, 9
954 786 500
museobellasartessevilla.ccul@juntadeandalucia.es
http://www.juntadeandalucia.es/cultura/museobellasartessevilla
Tipología
EXPOSICIONES
Horario
Lunes: cerrado. Martes a sábado de 9,00 a 20,30 horas. Domingos y festivos: de 9,00 a 14,30 horas. Para apertura en festivos, consulte la página del museo
Organiza
Consejería de Cultura
Fundación Cajasol
Fundación Casa de Alba
Descripción
A partir del próximo 16 de octubre, y hasta el 10 de enero del año próximo, se podrá disfrutar de la exposición Colección Casa de Alba en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Gracias a la generosidad de la Duquesa de Alba, y con el patrocinio de Cajasol, la Consejería de Cultura y el museo organizan esta exposición en la que se podrá admirar una de las colecciones privadas más importantes de España. Sin duda, es uno de los acontecimientos culturales de los últimos años en Sevilla.
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